每年五月的第一個星期一，人們都會收看名人登上紐約大都會藝術博物館的台階，這被認為是時尚界最盛大的夜晚。 時尚雜誌更具體地說，安娜·溫圖爾 (Anna Wintour) 將春季時裝秀的開幕變成了好萊塢社交日曆上最具標誌性的時刻之一，吸引了…… 全球跨平台瀏覽量達 12 億次 並且幾乎所有形式的媒體都進行了全面報導。
即使人們似乎更關心誰“在場”、誰沒有走上紅地毯，Met Gala 畢竟是美國最著名的造型部門之一的籌款活動（也是主要資金來源）。2025 年 Met Gala 籌集了 3100 萬美元— 創歷史記錄。 ）它還引起了人們對時裝展覽更廣泛的關注：到 2018 年 10 月展覽結束時，服裝學院天體：時尚與天主教的想像力“展覽的高潮——佔地 60,000 平方英尺，橫跨 25 個畫廊和兩座建築（Met Fifth Avenue 和 Met Cloisters）—— 博物館歷史上參觀人數最多的展覽，接待 1,659,647 名觀眾。
蓋蒂圖片社
從歷史上看，時尚一直存在於博物館中，即使最初沒有專門的部分。倫敦維多利亞和阿爾伯特博物館開始收藏時尚物品 十九世紀中葉;巴黎裝飾藝術博物館也收藏了紡織品 從一開始。由布魯克林博物館主辦 1929年時裝繪畫展;澤研究所 1946年，他開設了第一家畫廊。但當與全國各地博物館服裝展覽背後的人們交談時，有一場展覽真正改變了這一面貌。
””亞歷山大·麥昆：殘酷之美“這創造了一個時刻，每個人都後退了一步，心想，‘哦，也許應該更深入地審視和策劃這場時裝秀，’”哈佛大學時尚助理策展人達內爾·賈馬爾·里斯比 (Darnell Jamal Lisby) 說道。 克利夫蘭藝術博物館。 “它為許多組織探索打開了大門，也鼓勵那些已經關注時尚並擁有時尚部門的組織進行更多實驗。它允許他們以更直接地觸動人們的方式思考時尚。”
2011 年，安德魯·博爾頓 (Andrew Bolton) 在服裝學院哈羅德·科達 (Harold Koda) 的支持下組織了麥昆 (McQueen) 展覽，該展覽被認為是大都會博物館的一次重大成功，為觀眾帶來了精彩的展覽。 超過 661,000 名訪客。拉斐爾·戈麥斯 (Rafael Gomez)，現任時尚展覽總監 薩凡納藝術與設計學院 （SCAD）當時是 Vivienne Westwood 的一名內部檔案管理員，她回憶起在事件發生後注意到藝術博物館的請求有所增加。
“這很有趣。很有教育意義。社交媒體開始興起……它引發了很多情感，”他談到《殘酷之美》時說道。 “這件作品的創作方式——類似於雜誌社論的構圖——令人驚嘆。音樂的聲音、燈光設計……你會開始起雞皮疙瘩。這是一次真實的體驗。博物館裡融合了文化和娛樂。”
“野蠻之美”勾選了迄今為止不存在的複選框。利斯比表示，由於與名人的合作和舞台表演，以及他於 2010 年去世，麥昆“在流行時代精神中根深蒂固”，“創造了一種似乎與其他人不同的炒作水平”。它還舉例說明瞭如何利用舞台、聲音和燈光來創造一種更加身臨其境的體驗——一種讓人們想要在網上發布有關它的體驗。
薩凡納藝術與設計學院
博物館服裝和物質文化高級策展人馬修·約科博斯基 (Matthew Yocobosky) 表示：“你要把（展覽）想像成一種電影敘事，就像電影一樣，你有不同的場景，累積的場景會創造出你在展覽結束時所感受到的感覺。” 布魯克林博物館，他在那裡參加了時尚主題的展覽，例如“足金””克里斯汀·迪奧：夢想設計師””非洲時尚“，“ 和 ”蒂埃里·穆勒：時裝設計“與其他藝術形式不同，時尚並不總是在一個白盒子裡呈現，而是在一個非常動態的空間中呈現。它常常有自己的聲音……以其他藝術形式不允許的方式呈現時尚有更多的自由。
對於橫博斯基來說，他的工作不僅僅是“事物的保管人”，而是“創造文化敘事體驗”。
“對我們來說，重要的是要把自己視為組織和受眾之間的橋樑，並考慮將受眾納入考慮您可能提供的服務的一部分，”他說。時尚讓一切變得簡單，因為它是如此日常：每個人都穿衣服。每個人對他們都有自己的看法。 “人們總是說，‘我不會穿那個。’我會穿它。” 哪個Yokoboski 繼續說道：“人們能夠來到展會，就他們認為自己了解一點的事情進行這種對話，這是一個很大的積極因素。”
服裝還為遊客提供了與他們消費的流行文化或他們崇拜的名人的直接聯繫。 “我們有米歇爾·奧巴馬 (Michelle Obama) 的作品，即使這些連衣裙設計簡單、顏色更加柔和，它們也會引起參觀者的情感反應，”戈麥斯說。 “正是佩戴者的地位創造瞭如此特別的東西。像這樣的一件作品不需要太多。你需要讓它呼吸，因為它是如此堅固。如果你有如此堅固的東西，你如何創造這個系列的構圖也很有趣。”
Yokoboski 說，由於人們與時尚互動的方式不同，這些展覽“開始成為許多通常不會去博物館的人的切入點”。 “所有博物館都在尋找擴大受眾範圍的方法。這已經成為一種媒介，不僅可以談論時尚，還可以談論很多話題，並且對更廣泛的受眾具有吸引力。”
我們在舉辦這些展覽的機構類型中看到了這一點（盧浮宮，剛剛組織了 首屆時裝展， 完成與 眾星雲集的開幕式 它似乎借鑒了 Met Gala 的一些線索，以及該領域不斷增長的機會。當大學想要開放它的未來時，戈麥斯加入了 SCAD 亞特蘭大 SCAD FASH 時尚+電影博物館。 “SCAD 擁有美術博物館（位於薩凡納），還有一個專門舉辦時裝展覽的畫廊，”他解釋道。 “這些時裝展吸引了很多人。SCAD 總裁兼創始人 Paula Wallace 看到了潛力，也看到了我們如何通過時裝展進行教育……今年，我們將慶祝我們成立 10 週年。”
盧卡·斯圖皮尼/克利夫蘭藝術博物館
利斯比被高級管理員莎拉·斯卡圖羅 (Sarah Scaturro) 帶到了克利夫蘭藝術博物館，莎拉·斯卡圖羅是 FIT 時尚與紡織品研究碩士項目的研究員：歷史、理論和博物館實踐。他曾創作過諸如 “埃及人的痴迷：時尚界相互衝突的痴迷” 還有下一個 “跑道上的文藝復興” 對於博物館來說，一個比一個大。 （後者將於 11 月開放，將佔據約 9,000 平方英尺的畫廊空間。）他還致力於圍繞這些展覽進行規劃——演講、聚會、參觀——這有助於將年輕人帶入這座擁有 100 多年曆史的博物館。
“不幸的是，藝術博物館有時顯得有點居高臨下，而時尚卻變得更加日常化，”他談到時裝博覽會的吸引力時說道。 “我們穿衣服。有些人可能會認為這是活生生的藝術，或者至少是他們可以想像自己參與其中的一種活生生的創造性表達形式。”
這些展示還可以提出您在博物館其他地方可能看不到的主題並解決問題。 “人們將時尚作為理解藝術史的門戶，但他們也與通常通過設計表達的想法聯繫起來，”利斯比解釋道。 “在《埃及痴迷》中，你談到了一些關於非殖民化以及文化挪用和欣賞的問題。”
“時尚是人們在進行非常困難的對話時感到最舒服的空間，”他繼續說道。 “這個年輕一代非常敢於發聲。他們喜歡進行這些對話。他們參與這些對話。我認為時尚是他們這樣做的地方。”
今年夏天，布魯克林博物館在七月結束了“Solid Gold”展覽，並開設了服裝學院。 ”薄款：黑色圖案拼接“五月。就在幾個月前，SCAD 主辦了 FASH 美國首個有關 Jeanne Lanvin 的此類時裝秀 在亞特蘭大和 關於克里斯汀·迪奧鮮花的一則 位於法國拉科斯特 (Lacoste) 的校園內。明天，博物館將首次舉辦“安德烈·萊昂·塔利：永遠的風格”回顧展，紀念已故編輯的遺產。與此同時，克利夫蘭藝術博物館正準備於明年 11 月推出迄今為止規模最大的時裝秀“Renaissance to Runway”。
這絕不是您現在在博物館中可以看到的所有服裝的詳盡清單，證明這些展品不僅僅是一種趨勢。
